Del’amour à l’absurde, les cinq derniers coups de cœur de "Marianne" au Festival d’Avignon. Culture Spectacle vivant. "Fin de partie", de Samuel Beckett, mis en

Plus grande salle de spectacles des Landes UN COMPLEXE ÉVÉNEMENTIEL UNIQUE L’Arena du Vieux Port est un complexe événementiel unique dans le Sud-Ouest de la France, offrant des espaces de réception et des prestations hôtelières de plein air haut de gamme, dans un environnement privilégié, au sein du camping Village Resort & Spa Le Vieux Port *****. UNE OFFRE "CLÉ EN MAIN” Nichée dans une pinède de 30 hectares en bordure de l’océan Atlantique avec un accès direct à la plage, nous saurons répondre à tous vos besoins d’évènements professionnels ou privés. Pour en assurer leur réussite, nous mettons à votre disposition un interlocuteur dédié et qualifié pour vous accompagner dans l’organisation de votre événement du début jusqu’à la fin. De plus, nous sélectionnons avec soin des prestataires de qualité et expérimentés dans chaque domaine régisseurs, traiteurs, artistes, activités intérieures et extérieures qui vous accompagneront sur toute la durée de votre séminaires, incentives, concerts, lancements de produits, conférences de presse, dîners de gala, soirées à thème, expositions… Confiez-nous votre projet de A à Z, nous organisons l’intégralité de votre événement dans les Landes grâce à notre concept clé en main».L’ARENA DU VIEUX PORT LA PLUS GRANDE SALLE ÉVÉNEMENTIELLE DES LANDES L’Arena du Vieux Port est une salle événementielle de 750m² d’une capacité de 2 800 personnes en format concert et 1 100 personnes en format théâtre. Situé à Messanges dans les Landes en bordure d’océan, le complexe dispose également de 5 salles supplémentaires, toutes équipées et modulables, d’une capacité de 10 à 100 SALLES MODULABLES POUR S’ADAPTER À VOS ENVIES La plus grande salle est entièrement sonorisée et dispose d’un équipement complet Scène de 90m² Vidéo projecteur Écran géant de 4x5 m Écrans plasma de chaque côté de la scène avec écran de retour Tout cela est inclus dans la location de la salle et géré par nos régisseurs. Une pièce annexe à cette grande salle de 200 m2 est également sonorisée et dispose d’un écran interactif. Toutes les salles sont équipées de paperboard, bloc-notes, stylos et bouteilles d’eau Profitez de ce cadre unique pour allier travail et détente grâce à de nombreuses activités sur place ou à proximité surf, trottinettes électriques, stand up paddle, karting, spa, golf, accrobranche, rafting, randonnées quad, escape game, balade en mer… Nous vous proposons un large choix d’activités à la carte pour agrémenter votre évènement. Nous contacter pour accéder à notre catalogue place, profitez également de nos nombreux équipements et services parc aquatique XXL en libre accès, terrains multisports, aire de fitness plein air, SPA, accès direct à la plage … autant de choix pour vous permettre de créer un évènement unique et BUILDING ET INCENTIVE Bénéficiez de nos conseils d’experts pour créer ensemble une animation sur mesure qui vous ressemble ! Si vous souhaitez resserrer les liens entre vos collaborateurs et susciter l’esprit d’équipe, le team building est ce qu’il vous faut. Nous vous proposons un large choix d’activités que nous personnalisons en fonction du nombre de participants et de vos envies. Que vous préfériez les activités sportives, culturelles, humoristiques, artistiques, de réflexion ou à thème, nous nous adaptons et saurons répondre à vos besoins. Voici un exemple des activités que nous pouvons réaliser pour vos équipes Olympiades Escape Game Tournois sportifs Course d’orientation Improvisation théâtrale Cours d’œnologie Jeux basques Épreuves Koh Lanta Fête foraine Arts plastiques Et encore bien d’autres idées….ANIMATIONS SOIRÉES Pour vous aider à oublier votre journée de réunion, nous vous proposons également une large sélection de soirées festives et animées Apéritifs animés pétanque, surf, etc… Dîners spectacles Grandes illusions, hypnose, cabaret, one man show… Soirées à thème cabaret, casino, déguisée, etc… Concerts Karaokés Game Nights » Cluedo géant, Qui est-ce » géant, blind test, quizz en tout genre, …. Une nouvelle fois nous sommes là pour écouter vos besoins et créer ensemble une soirée sur mesure qui ravira vos invités !HÉBERGEMENT Quoi de plus simple que d’être logé sur place, à deux pas de votre salle de réunion ? Profitez de notre hôtel plein air haut de gamme situé sous 30 hectares de pinède avec un accès direct à la plage. En logement premium ou en mobil-home classique, la superficie de notre camping nous permet de loger une grande capacité de personnes. De 1 chambre jusqu’à 4 chambres nous vous proposons un large panel d’hébergements spacieux et confortables. Le + En organisant votre événement au camping Le Vieux Port vous bénéficiez d’un tarif préférentiel sur votre logement ! Profitez-en ainsi pour prolonger votre séjour pour le week-end !RESTAURATION Buffets, dîners de gala, repas à thèmes, tapas, soirée barbecue, apéritif sur la plage...Nous vous proposons une offre diversifiée de restauration pour savourer pleinement votre événement et découvrir nos spécialités NOUS ONT FAIT CONFIANCE Nous avons été parfaitement accueillis par Carla et son équipe à l'espace ARENA, tant en termes de salles, d'accompagnement technique, de qualité des repas, d'animation le soir. Professionnalisme et disponibilité étaient au rendez-vous avec en outre beaucoup de gentillesse !Tous les participants ont apprécié leur logement dans les bungalows qui sont spacieux et bref, je recommande le Camping du Vieux-Port qui est très adapté au format séminaire d'entreprise... Et puis séjourner dans un tel endroit donne des idées pour les vacances ! » CHAMBRE RÉGIONALE DE L’AGRICULTURE - 90 participants Je tenais à vous remercier pour votre accueil et pour tout ce que vous avez mis en oeuvre pour que notre séminaire soit une réussite. Bravo pour votre réactivité et votre dynamisme. » ENEDIS-GRDF - 120 participants BRAVO à tous une belle réussite cette convention. Je vous remercie pour votre implication, votre bonne humeur et votre professionnalisme. » LABEYRIE - 200 participants Je tenais à vous remercier pour votre accueil et pour la qualité de votre prestation ; tout le monde était ravi et s'est régalé ! Les retours sont plus que positifs. Vous vous êtes donnés tant de mal ! Encore merci ! » MUTUELLE PREVIFRANCE - 50 participants Je suis ravie d'avoir travaillé avec vous sur ce projet de journée d'étude. Merci. » EXCO - 210 participants

Télécharger l'article Télécharger l'article Vous avez une idée pour une pièce, peut-être une superbe idée. Vous voudriez l’élargir pour en faire une comédie ou une histoire dramatique, mais de quelle façon procéder ? Bien que vous puissiez être tenté de commencer automatiquement à rédiger, votre scénario sera plus réussi si vous prenez le temps nécessaire pour planifier toute l’histoire avant de commencer à rédiger votre premier brouillon. Une fois que vous avez fait un brainstorming sur votre récit et élaboré son plan, la rédaction de votre scénario ne sera plus qu’un jeu d’enfant. 1 Choisissez le genre d’histoire que vous voulez raconter. Bien que chaque histoire soit différente, la plupart des pièces appartiennent à une catégorie donnée, ce qui permet à l’audience de comprendre comment interpréter les évènements et les relations qu’elle voit. Pensez aux personnages que vous voulez créer puis imaginez la manière dont vous voudriez que leurs histoires se développent. Posez-vous certaines questions [1] . Est-ce qu’elles doivent résoudre un mystère ? Vont-elles traverser une série de situations difficiles afin d’atteindre un épanouissement personnel ? Vont-elles passer à l’âge adulte par une transition de l’innocence enfantine aux expériences du monde ? Est-ce qu’elles projettent d’effectuer un voyage, comme le périple d’Ulysse dans l’Odyssée d’Homère [2] ? Vont-elles amener de l’ordre là où il n’y avait que le chaos ? Vont-elles surmonter une série d’obstacles pour atteindre un but ? 2Faites un brainstorming sur les différentes parties de l’arc narratif. L’arc narratif est la progression du début, du milieu et de la fin d’une pièce. Les termes techniques qui désignent ces parties sont la mise en œuvre, la succession et la résolution. Ils viennent toujours dans cet ordre. Peu importe la longueur de votre pièce ou du nombre d’actes dont elle est composée, une bonne pièce doit développer ces trois pièces du puzzle. Prenez note de la direction que vous comptez donner à chaque partie avant de vous mettre à écrire votre pièce. 3Décidez de ce que vous devez mettre dans la mise en œuvre. Cette dernière ouvre la pièce en fournissant les informations de base nécessaires pour suivre le déroulement de l’histoire où et quand l’histoire se déroule-t-elle ? Qui est l’acteur principal ? Si vous en avez, qui sont les acteurs secondaires, ainsi que l’antagoniste personne qui présente le personnage principal avec son propre conflit central ? Quel est le conflit central auquel ces personnages devront faire face ? Quelle est l’atmosphère de cette pièce comédie, théâtre romantique, tragédie ? 4Faites une transition entre la mise en scène et la succession. À cours de cette dernière, les évènements se déroulent d’une manière qui rend les circonstances difficiles pour les personnages. Le conflit central vient en question alors qu’on note une poussée d’adrénaline au niveau de l’audience. Ce conflit peut surgir avec un autre personnage antagoniste, une situation extérieure guerre, pauvreté, rupture amoureuse ou un conflit avec soi-même devoir surmonter ses propres insécurités. La succession se termine par le paroxysme moment où la tension a atteint son apogée, lorsque le conflit prend le dessus [3] . 5Décidez de la résolution du conflit. La résolution relâche la tension du paroxysme du conflit pour mettre fin à l’arc narratif. Vous pourriez avoir une fin heureuse dans laquelle le personnage principal obtient ce qu’il ou elle cherchait ou une fin tragique où l’audience tire une leçon de l’échec du personnage principal ou un dénouement dans lequel toutes les questions trouvent des réponses. 6 Comprenez la différence entre intrigue et histoire. Le récit de votre pièce est composé de l’intrigue et de l’histoire. Il s’agit de deux éléments distincts qui doivent être développés ensemble pour créer une pièce qui attire l’attention de l’audience. Forster définit l’histoire comme ce qui se passe dans la pièce, c’est-à-dire le déroulement chronologique des évènements. Quant à l’intrigue, elle peut être définie comme la logique qui lie les évènements qui se déroulent à travers l’intrigue et qui leur donnent une force émotionnelle [4] . Voici un exemple de cette différence. L’histoire la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Ensuite ce dernier perd son travail. L’intrigue la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Chagriné, il fait une dépression émotionnelle au travail, ce qui a conduit à son licenciement. Vous devez développer une histoire fascinante qui bouge l’action de votre pièce assez rapidement pour retenir l’attention de l’audience. Dans le même temps, vous devez montrer le lien superficiel des actions à travers le développement de votre pièce. C’est ainsi qu’on suscite l’intérêt chez l’audience sur les évènements qui ont lieu sur scène. 7 Développez votre histoire. Vous ne pourrez pas approfondir la résonance émotionnelle d’une pièce si vous ne mettez pas en place une bonne histoire. Faites un remue-méninge sur les éléments de base de l’histoire avant de les étoffer avec votre écrit tout en répondant aux questions suivantes [5] . Où se déroule votre histoire ? Qui est votre protagoniste personnage principal et qui sont les personnages secondaires importants ? Quel est le conflit central que devront affronter ces personnages ? Quel est l’élément déclencheur qui a commencé l’action principale de la pièce et conduit à ce conflit central [6] ? Qu’est-ce qui se passe avec vos personnages au moment où ils font face au conflit ? Comment le conflit est-il résolu à la fin de l’histoire ? À quel point cela impacte-t-il les personnages ? 8 Approfondissez l’histoire avec le développement de l’intrigue. Souvenez-vous que l’intrigue est le développement de la relation entre les éléments de l’histoire qui étaient énumérés dans l’étape précédente. En pensant à l’intrigue, vous devez essayer de trouver des réponses aux questions suivantes [7] . Quelles relations entretiennent les personnages entre eux ? Comment les personnages interagissent-ils avec le conflit central ? Qui sont les plus affectés et à quel point le sont-ils ? Comment pouvez-vous façonner l’histoire les évènements afin de mettre les personnages qu’il faut en contact avec le conflit central ? Quelle est la succession logique et désinvolte qui conduit chaque évènement au suivant, en construisant un flux continuel vers le paroxysme et la résolution de l’histoire ? 1 Commencez avec une pièce en un acte si vous êtes un débutant. Avant de rédiger la pièce, vous devriez avoir une idée de la façon dont vous désirez la structurer. La pièce en un acte se déroule sans interruption et représente un bon point de départ pour les débutants en dramaturgie. Comme exemple de pièce en un acte, nous avons The Bond de Robert Frost et Amy Lowell et Gettysburg de Percy Mackaye [8] [9] ou La Chance du mari [10] », G. A. de Caillavet et Robert de Flers 1906. Même si la pièce en un acte a la structure la plus simple, souvenez-vous que toute histoire a besoin d’un arc narratif avec une mise en scène, une succession et une résolution. Étant donné que les pièces en un acte ne subissent aucune interruption, elles requièrent moins de décor et de changements de costume. Rendez vos besoins techniques plutôt simples. 2 Ne limitez pas la durée de votre pièce en un acte. Sa structure n’a rien à avoir avec la durée du spectacle. Ces pièces peuvent varier grandement en durée, avec des productions aussi courtes que dix minutes et d’autres qui vont jusqu’à une heure. Les drames flash sont des pièces en un acte qui peuvent aller de quelques secondes à dix minutes. Elles sont géniales pour les spectacles de théâtre à l’école ou dans la communauté, ainsi que pour des compétitions spéciales de théâtre flash. Pour un exemple de drame flash, allez voir A time of Green d’Anna Stillaman. 3 Laissez la place pour des décors plus complexes avec une pièce en deux actes. La pièce en deux actes est la plus fréquente dans le théâtre contemporain. Bien qu’il n’existe pas de règle établie quant à la durée, en général, les actes durent à peu près une demi-heure, donnant à l’audience une pause entre eux. La pause donne à l’audience le temps d’aller aux toilettes, de se détendre, de penser à ce qui s’est passé et de discuter du conflit présenté dans le premier acte. Cependant, elle donne aussi le temps à l’équipe d’apporter de grosses modifications au décor, aux costumes et au maquillage. Généralement, les pauses durent environ 15 minutes et pendant ce temps planifiez donc les rôles de votre équipe compte tenu de ce temps [11] . Pour des exemples de pièces en deux actes, consultez Hölderlin de Peter Weiss ou Le Retour de Harold Pinter. 4 Ajustez l’intrigue pour avoir la structure d’une pièce en deux actes. La structure de la pièce en deux actes change plus que le nombre de fois que votre équipe doit faire des ajustements techniques. Étant donné que l’audience a pris une pause au milieu de la pièce, vous ne pouvez plus traiter l’histoire comme si elle se déroulait sous la forme d’un récit. Vous devez structurer votre histoire autour de la pause afin de laisser l’audience se détendre et de songer à la fin du premier acte. Du retour de la pause, elle doit être ramenée immédiatement à la succession de l’histoire. L’élément déclencheur devrait se produire environ à mi-chemin du premier acte, après la mise en scène de départ. Accompagnez l’élément déclencheur de plusieurs scènes pour attirer l’attention de l’audience. Elles peuvent être dramatiques, tragiques ou de la comédie. Ces scènes doivent être construites dans le sens d’un point de conflit qui achèvera l’acte premier. Mettez fin au premier acte juste après le point culminant de la tension dans l’histoire à ce point. L’audience restera sur sa faim à la pause et reviendra impatiente de suivre le second acte. Commencez le second acte avec un niveau de tension plus bas que la fin du premier acte. Vous devrez ramener l’audience en douceur dans l’histoire et dans son conflit. Présentez plusieurs scènes du second acte qui élèveront l’enjeu dans le conflit vers le paroxysme de l’histoire ou le point de tension et de conflit le plus élevé, juste avant la fin de la pièce. Détendez l’audience vers la fin avec le dénouement et la résolution. Bien que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse, l’audience doit avoir l’impression que toute la tension que vous avez accumulée au cours de la pièce a été libérée. 5 Essayez une structure de trois actes. Pour cela, optez pour une intrigue plus longue et plus complexe. Si vous êtes nouveau dans la dramaturgie, vous pouvez commencer avec une pièce d’un ou de deux actes, car une longue pièce de trois actes pourrait maintenir l’engouement de l’audience pendant deux heures [12] ! Il faut beaucoup d’expérience et de savoir-faire pour composer une production qui puisse attirer l’audience pendant toute cette durée. Vous devriez donc au départ revoir vos ambitions à la baisse. Cependant, si l’histoire que vous comptez raconter est assez complexe, une pièce en trois actes pourrait être votre meilleure option. Tout comme la pièce en deux actes, elle permet des changements importants au niveau du décor, des costumes, etc. au cours des pauses entre les actes. Chaque acte de la pièce théâtrale doit atteindre son propre objectif de narration [13] . Le premier acte est la mise en scène prenez le temps de présenter les personnages ainsi que des informations générales. Amenez l’audience à se préoccuper du personnage principal protagoniste et de sa situation pour assurer une forte réaction émotionnelle lorsque la situation commencera à mal tourner. Le premier acte devrait aussi annoncer le problème qui sera développé tout le long de la pièce. Le 2e est la complication les enjeux deviennent plus élevés pour le protagoniste étant donné que le problème devient plus difficile à gérer. Une bonne manière d’élever les enjeux dans le second acte, c’est de révéler une information importante non loin du paroxysme de l’histoire [14] . Cette révélation devrait semer le doute dans l’esprit du protagoniste avant qu’il ou elle ne trouve la force de résister à travers le conflit pour en arriver à la résolution. L’acte 2 devrait prendre fin d’un air abattu, où les plans du protagoniste se présentent comme un désastre. Le 3e acte est la résolution le protagoniste surmonte les obstacles du second acte et trouve un moyen d’atteindre la conclusion de la pièce. Notez que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse. Il se peut que le héros meure dans la résolution, mais l’audience devra en tirer une leçon [15] . Voici des exemples de pièces en trois actes Mercadet le faiseur de Honoré de Balzac et Pigeon A Fantasy in Three Acts, de John Galsworthy. 1 Passez en revue les actes et les scènes. Dans les deux premières sections de cet article, vous avez fait un remue-ménage sur les idées de base concernant l’arc narratif, l’élaboration de l’histoire et de l’intrigue et la structure de la pièce. À présent, avant de vous assoir et écrire la pièce, vous devriez ordonner toutes ces idées en de grandes lignes. Pour chaque acte, exposez ce qui se passe dans chaque scène. À quel moment les personnages principaux sont-ils présentés ? Combien de différentes scènes avez-vous et quel évènement spécifique a lieu dans chaque scène ? Veillez à ce que les évènements de chaque scène se construisent en direction de la prochaine scène pour assurer le développement de l’intrigue. À quel moment aurez-vous besoin de faire des changements de décor ou de costume ? Prenez en considération ces genres de détails techniques pour développer les grandes lignes de la mise au point de votre histoire. 2Développez vos grandes lignes en écrivant votre pièce. Quand vous aurez défini vos grandes lignes, vous pouvez à présent rédiger la pièce théâtrale. Vous n’avez qu’à commencer par mettre votre dialogue de base, sans vous soucier du fait que le dialogue soit naturel ou pas ou de la façon dont les acteurs se débrouilleront une fois sur scène. Sur le premier brouillon, vous devrez juste mettre noir sur blanc comme le disait Guy de Maupassant. 3Travaillez à créer des dialogues naturels. Vous devez donner à vos acteurs un scénario assez solide, pour qu’ils puissent passer les répliques de façon humaine, réelle et émotionnellement puissante. Lisez à haute voix et enregistrez votre premier brouillon puis écoutez-le. Prenez note des points qui semblent être robotiques ou trop grand. Souvenez-vous que même dans les pièces littéraires, vos acteurs doivent avoir le ton des gens normaux et non le ton de ceux qui donnent un bon discours, en se plaignant de leur boulot au diner autour d’une table. 4Laissez les conversations prendre des tangentes. Lorsque vous discutez avec vos amis, il est rare que vous vous en teniez à un seul sujet avec une attention particulière. Dans une pièce, la conversation doit guider les personnages vers le prochain conflit. Vous devez permettre de petites diversions pour la rendre plus réaliste. Par exemple, au cours d’une discussion sur la raison pour laquelle la petite amie du protagoniste a rompu avec lui, il doit y avoir au préalable une séquence de deux ou trois répliques qui mentionne depuis quand ils sont ensemble. 5 Insérez des pauses dans le dialogue. Même si ce n’est pas méchant, les gens s’interrompent dans les conversations tout le temps, même si c’est pour dire leur approbation avec un C’est bon, j’ai compris ! ou un Non, tu as carrément raison ! Les gens s’interrompent aussi souvent en changeant de sujet dans leurs phrases Je veux juste… Tu sais, ça ne me gêne pas de t’emmener là-bas le samedi, le truc c’est que, écoute, j’ai bossé pas mal pas peur d’utiliser des fragments de phrases. Bien qu’on ait été formé à ne jamais utiliser des fragments à l’écrit, on les utilise tout le temps lorsqu’on parle J’ai horreur des chiens, eux tous. 6 Ajoutez des indications scéniques [16] . Les mises en scène permettent aux acteurs de comprendre votre vision de ce qui se passe sur scène. Utilisez l’écriture en italique ou les parenthèses pour faire la différence entre votre mise en scène et les paroles dites. Même si les acteurs doivent faire preuve de leur propre créativité pour donner vie à vos mots, vous pouvez donner quelques directions spécifiques comme répliques [silence long et gênant] ; actions physiques [Silas se lève et marche avec nervosité]. [Marguerite ronge ses ongles] ; états émotionnels [anxieuse], [enthousiaste], [prend la jupe sale comme si elle la dégoutait]. 7 Récrivez votre brouillon autant de fois que possible. Vous n’allez pas achever votre pièce au premier brouillon. Même les écrivains expérimentés ont besoin de faire plusieurs brouillons pour une pièce avant d’être satisfaits du produit fini. Ne vous mettez pas la pression ! À chaque passe, ajoutez plus de détails qui donneront vie à votre production. Même en ajoutant des détails, souvenez-vous que la touche d’effacement peut être votre meilleur ami. Comme le dit Donald Murray, vous devez enlever le mauvais, pour que le bon se révèle. Supprimez tous les dialogues et évènements qui n’apportent rien à la résonnance émotionnelle de la pièce. Les conseils du romancier Leonard Elmore s’appliquent aussi aux pièces de théâtre essayez de laisser les parties que les lecteurs ont tendance à éviter [17] . Conseils La plupart des pièces ont lieu à des endroits et des lieux spécifiques, soyez donc cohérent. Un personnage des années 30 pourrait passer un appel ou envoyer un télégraphe, mais il ne regarderait pas la télévision. À la fin de cet article, vérifiez les sources des vrais formats de pièce et suivez les règles établies. Persévérez toujours et improvisez si vous oubliez une réplique pendant le spectacle. Parfois, vous trouverez une meilleure réplique ! Lisez le scénario à haute voix pour une petite audience. Les pièces sont basées sur des mots, et ce pouvoir ou son absence se remarque très vite à l’oral. Ne laissez pas votre pièce dans un lieu secret, faites plutôt savoir que vous êtes un écrivain ! Écrivez de nombreuses versions de votre pièce, même si la première vous a donné entière satisfaction. Avertissements L’univers du théâtre est plein d’idées, mais le traitement qu’on donne à chaque histoire doit relever de l’originalité. Le fait de voler l’histoire d’autrui ne constitue pas seulement une indifférence cruelle à la morale, c’est aussi un acte répressif passible de sanction juridique. Le rejet surpasse grandement l’acceptation, mais ne vous découragez pas. Si vous êtes ratatiné par l’indifférence d’une pièce, écrivez-en une autre. Protégez votre œuvre. Veillez à ce que la page de garde de votre pièce théâtrale contienne votre nom et l’année de parution de l’œuvre, précédés du symbole de droit d’auteur ©. À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 8 861 fois. 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Par Philippe ChevilleyJuillet 2014. Un jeune metteur en scène, Thomas Jolly, encore peu connu du public, crée l'évènement à Avignon en montant l 'intégrale de la trilogie de Shakespeare dédiée à Henry VI et à la guerre des Deux-Roses. Dix-huit heures de théâtre flamboyant, entractes compris. En juin 2022, désormais directeur du Quai d'Angers, il décide de repousser les limites du genre. Du samedi 5 au dimanche 6 au matin, il a présenté ses deux mises en scène d'Henry VI et de Richard III dans la continuité, en vingt-quatre heures chrono. Durant un jour et une nuit, un fabuleux intermède théâtral a distendu le temps et réjoui un public chauffé à blanc. Un public venu de toute la France, souvent avec un simple sac à dos il n'était pas besoin de réserver un hôtel.Cette performance artistique, un one shot » le spectacle a ensuite été rejoué mais sur deux jours, était une obsession » pour Thomas Jolly Il fallait finaliser le geste narratif, mener à terme la plus longue histoire que nous ait proposée le théâtre. Maintenant, c'est fait », nous confie l'acteur-metteur en scène, plus ému que fatigué, deux jours après ce marathon où il incarne lui-même Richard III. Ce projet réalisé n'est pas un simple caprice d'homme de théâtre. Je me souviens qu'à Avignon, à la fin d''Henry VI', à quatre heures du matin, les gens scandaient 'Richard III ! Richard III !'. J'ai répondu à leur attente en montant la tragédie du roi maudit un an plus tard. Il restait à boucler la boucle en enchaînant les deux spectacles. »Henry VI», de Thomas Jolly, Avignon de s'interroger sur la résistance du public, c'est l'énergie déployée par les acteurs qui fascine. Rien que dans la préparation du spectacle. Le travail de répétition ressemble à l'ascension d'une montagne. Si on brûle les étapes pour atteindre au plus vite le sommet, on se plante. On a répété les vingt-quatre heures comme les dix-huit heures, scène par scène, parfois réplique par réplique. La chose extraordinaire est qu'on a presque tout de suite retrouvé nos marques texte, emplacements, positions, mouvements. Les comédiens ont une mémoire du corps incroyable.» Il n'y a pas eu de filage intégral. Les vingt-quatre heures n'ont donc été jouées vraiment qu'une fois. Devant le toute la représentation, les comédiens ont été en mode veille », explique le metteur en scène. Dans les coulisses, on avait prévu de la nourriture, un ostéopathe, des dortoirs de fortune, avec des assistants-sommeil chargés de retrouver et de réveiller les comédiens endormis. A partir de 5 h 30 du matin, à la fin d''Henry VI', c'est là qu'on a repoussé nos limites jeu, voix… on a travaillé dans l'épuisement et abandonné toute maîtrise. On était dans le présent du théâtre, ce qui n'arrive pratiquement jamais avec des pièces courtes. Une quintessence. Le summum du partage avec le public. » On n'est pas fatigués! »Comme il a été vaillant ce public ! Aussi fringant que nos Lancastre et Gloucester à cran. Tout commence par des clameurs à la seconde où les acteurs entrent en scène. Les bravos, les clappings émaillent tout le spectacle. Avant les reprises, certains scandent On n'est pas fatigués ! » Il y a même eu une ola », s'amuse Thomas Jolly. Puis une standing ovation de près d'un quart d'heure à la fin… Un mix de concert rock et de match de foot. Aux entractes, les gens se partageaient denrées et oreillers. Les fantômes de spectateurs qui hantaient les rues et la gare d'Angers, dimanche matin, avaient leur sac à dos rempli d' fresque théâtrale en appelle d'autres. Il n'y aura pas longtemps à attendre pour sa dernière édition en tant que directeur du Festival d'Avignon, Olivier Py en a programmé deux de plus de dix heures, début juillet. C'est moins impressionnant que vingt-quatre heures, mais c'est tout de même un sacré défi, souligne-t-il Six heures de spectacles, ça passe… dix à treize heures, ça devient une aventure complètement folle. » Olivier Py proposera ainsi sa dernière création en quatre actes Ma jeunesse exaltée ; et le jeune auteur acteur Simon Falguières une épopée en sept parties, Le Nid de Vitez et son Soulier de satin»Si l'on remonte le temps, c'est à Avignon, essentiellement, qu'ont été créées les grandes formes de ces cinquante dernières années. Le Soulier de Satin, mis en scène par Antoine Vitez; la trilogie de Wajdi Mouawad Le Sang des promesses » , et 2666de Julien Gosselin sont autant de spectacles qui sont devenus cultes. Rendons ses lauriers à César le geste le plus aventureux fut celui d'Olivier Py qui, en 1994, créa un spectacle dingue de vingt-quatre heures La Servante. Il s'en est d'ailleurs inspiré pour créer son nouvel opus dans le même théâtre du in », le gymnase Olivier Py, la fresque est un choix radical, une rupture avec le théâtre bourgeois. On sort de la culture express, du divertissement. Le spectacle ne va pas égayer une gentille soirée, mais occuper la nuit où la journée, voire les deux ». L'auteur metteur en scène relève qu'il y a finalement peu de mots dans une pièce de deux heures. Dans une fresque, l'auteur peut s'en donner à coeur joie s'offrir une totale liberté stylistique, porter le propos plus loin, à des endroits où personne n'est jamais allé. C'est une aventure philosophique. Une cosmogonie ».Répétition à la FabricA de Ma jeunesse exaltée» d'Olivier Py. La pièce de dix heures avec entractes sera donnée à Avignon.©Christophe Raynaud de LageLe Festival d'Avignon est le rendez-vous idéal pour les projets au long cours avec son public disponible, très varié et curieux ». Il offre une assise solide pour cofinancer les productions. Cela coûte très cher. On doit doubler, voire tripler les équipes. » Olivier Py a mis six mois à écrire son ode à la jeunesse, symbolisée par le personnage d'Arlequin, héros facétieux des quatre parties. La grande innovation du texte est de jouer à fond la carte de la comédie. Une farce de huit heures, c'est un peu une première. » Sur le mode burlesque, on verra Arlequin, incarné par un jeune acteur, Bertrand de Roffignac, fustiger le capitalisme sauvage, se jouer de la poésie et de la religion, vivre à fond, mourir et ressusciter pour enfin faire triompher l' force de fréquenter le genre, Olivier Py en connaît les recettes. Si on ne veut pas perdre le public, chaque épisode ne doit pas dépasser deux heure. » De même, il ne faut pas que le texte soit trop linéaire L'épopée doit cultiver le mélange des genres, à la manière de Shakespeare et de Claudel. » Enfin, la mise en scène doit être à l'avenant inventive et débridée… Il faut à tout prix éviter qu'on s'ennuie… » Pour les acteurs, l'aventure est un véritable sacerdoce », l'équivalent de trois mois, voire six mois de travail. Les répétitions ont un côté tonneau des Danaïdes, au fur et à mesure que l'écart grandit avec les premières scènes travaillées. »Une tradition du théâtre antique et du nô japonaisCes grandes traversées théâtrales ne sont pas nées à Avignon, bien sûr. Dans la Grèce antique, on représentait les grands feuilletons mythiques en une journée. Idem pour le nô japonais. Le théâtre élisabéthain et le théâtre classique français, en revanche, n'avaient guère pour habitude de jouer les prolongations. Au XIXe siècle, on voit resurgir la fresque avec les grands opéras. Avec la Tétralogie de Wagner ou 'Les Huguenots' de Meyerbeer, on entre dans une autre dimension », estime Olivier Py. Le théâtre n'est pas en reste…On connaît l'appétit de grandeur de Victor Hugo Son 'Cromwell' frôle les dix heures ». Ibsen, avec Peer Gynt et surtout avec son drame en dix actes Empereur et Galiléen flirte également avec la démesure. Quant au Soulier de satin écrit en 1943, il a fallu attendre la mise en scène de Vitez dans la cour d'honneur, quatre décennies plus tard, pour que la pièce soit jouée intégralement plus de dix heures avec les entractes et reconnue à sa juste valeur. Un autre homme de théâtre s'y est frotté avec talent un peu plus tard Olivier Py… inspiré depuis toujours par la verve claudélienne.»Le Nid de cendres». La pièce de Simon Falguières sera présentée à la FabricA au Festival d'Avignon du 9 au 16 juillet.©Simon GosselinLa programmation de Simon Falguières à La FabricA d'Avignon a un peu l'allure d'un passage de relais. Car dans son épopée Le Nid de cendres, il y a tout ce qu'Olivier Py défend - mélange des styles, propos politique et philosophique, une vraie cosmogonie - en moins cérébral sans doute. Le jeune dramaturge de 34 ans revendique un théâtre populaire à la manière de Thomas Jolly. Sa grande oeuvre fait littéralement feu de tout bois, convoque Claudel, Shakespeare, Maeterlinck, voire Molière, et un certain réalisme de la pièce est magnifique. Quand elle commence, le monde est comme une pomme coupée en deux d'un côté le monde réel, à feu et à sang ; de l'autre le monde des contes qui se délitent. Tant que les deux moitiés du fruit ne seront pas réunies, il ne pourra tourner rond. Deux héros sont voués à recoller les morceaux la princesse Anne, venue des pays des contes, pour trouver l'homme qui sauvera sa mère, la reine ; et Gabriel, un orphelin recueilli par des comédiens dans un pays en proie aux émeutes. Le Nid de cendres joue constamment sur les deux tableaux du réalisme et de la fable, offrant aux spectateurs en mal d'enchantement un bouleversant voyage.'Le Nid de cendres' est ma véritable naissance au théâtre. Une gestation de sept années, chargée de tous mes rêves, de tous mes amours de théâtre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma Falguières La conception de cette grande fresque est en soi une épopée. Un work in progress » de sept ans… Les oeuvres au long cours m'ont toujours fasciné, raconte Simon Falguières. Très tôt j'ai écrit des pièces, mais mon plus cher désir était de concevoir une épopée. Je n'y arrivais pas. Le déclic s'est produit quand j'ai rejoint la classe libre du cours Florent en 2015 pour parfaire mon travail de comédien. J'y ai rencontré une génération d'acteurs formidables. C'est avec à eux que le projet a vu le jour. On m'a confié deux stages et on a travaillé sur les premières ébauches de Nid de cendres ». Trois heures en tout. Et puis mes camarades comédiens se sont dispersés Conservatoire, Ecole du Nord, Atelier volant du Théâtre national de Toulouse… J'ai eu peur de les perdre. »Il a fallu un petit miracle Une comédienne de la troupe, Pia Lagrange, nous a tous invités chez elle en Charente et, pendant deux étés, on a joué la pièce sur des tréteaux de bois, sous les étoiles. C'est là qu'elle a pris de l'ampleur. » Ensuite sont venus les producteurs Christophe Rauck, aujourd'hui directeur des Amandiers de Nanterre, le Théâtre de Normandie…. En 2019, on a présenté un spectacle de six heures. Le reste de l'épopée était déjà écrite, mais jamais je n'aurais imaginé pouvoir la montrer dans sa totalité. C'est Olivier Py qui a rendu la chose possible ».Jongler avec les registresL'artiste a déjà une autre pièce très remarquée à son actif, Les Etoiles, créée en 2020 à La Colline pendant l'épidémie de Covid. Mais Le Nid de Cendres marque [ma] véritable naissre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma vie ». Sa pièce-monde est en effet une ode au théâtre dans laquelle il n'hésite pas à faire dialoguer, dans une scène extravagante, la princesse Anne avec les fantômes de Shakespeare, d'Homère et Sophocle. J'aime jongler avec les registres. Et je suis fasciné par le monde des contes, par leur mystère… Dans ma pièce, de vieilles histoires surgies de notre cerveau reptilien se confrontent avec le monde contemporain. »Parmi la soixantaine de personnages, roi, reine, princesses, gens du peuple, comédiens et fantômes, il y a même le Diable Monsieur Badile et un président déchu qui arpente des terres brûlées déguisé en voyante. Simon Falguières ne tombe pas dans le piège des clins d'oeil faciles, vite obsolètes, à la politique. L'épopée parle tout le temps du monde, mais pas d'actualité ». Il s'agit d'être bien dans époque et hors du temps Le théâtre est tout sauf archaïque, il nous rappelle à notre humanité.»La scène comme un boîte à jouerReste à passer l'épreuve de la scène et des treize heures de représentation. Le texte est conçu pour maintenir l'attention du spectateur avec ses rebondissements et ses scènes poumons » de comédie. Mais il faut que la mise en scène suive… J'essaie de tenir la ligne la plus claire pour ne pas perdre les spectateurs. Dans le même temps, je crée des changements de braquet dans chaque partie. Et je soigne particulièrement les débuts et les fins. »Construire un décor lourd pour représenter forêts, royaume magique, mers, villes, maisons, palais… n'aurait pas eu de sens. Simon Falguières a sollicité Emmanuel Clolus, scénographe réputé souvent associé à Stanislas Nordey, le directeur du TNS . Il a conçu un espace dénudé, aéré, qui se métamorphose à l'envi, une véritable boîte à jouer où les accessoires jouent un rôle majeur ; les costumes aussi 250 en tout…, conçus pour distinguer les deux mondes. » Afin de créer le merveilleux, Falguières compte beaucoup sur les lumières et sur la musique dont une partie sera jouée en live » par les acteurs pour incarner 56 personnagesDix-sept acteurs sont mobilisés pour incarner 56 personnages avec les équipes techniques, il y aura en tout 35 personnes sur le plateau. On travaille sur le texte depuis sept ans, donc le mémoriser n'est pas si difficile. C'est surtout un défi physique. Sur 9 h 30 de spectacle hors entracte, les acteurs sont tout le temps en scène. Cela exige une préparation très rigoureuse. » Avec à la clé un enthousiasme sans faille Le Nid de Cendres, c'est l'aventure utopique d'une vie ».Avec nos trois capitaines au long cours, Py, Jolly et Falguières, force est de constater que les traversées théâtrales ont le vent en poupe. Cela tente jusqu'aux jeunes compagnies, pourtant dépourvues de moyens. Ainsi de Hughes Duchêne et de Je m'en vais mais l'Etat demeure, son feuilleton politique sur le premier quinquennat d'Emmanuel Macron présenté en intégrale à Paris en juin au Théâtre 13. Le phénomène n'est pas une simple réponse à la vogue des séries qui clouent de potentiels spectateurs sur leur canapé… Dans les deux cas, la motivation est la même, explique Thomas Jolly Le réel est de plus en plus anxiogène. Que ce soit dans le domaine politique, économique, écologique, sanitaire, l'horizon apparaît flou, voire bouché. Les gens compensent ce désir de projection inassouvi par une quête de récits. » Plus ces récits sont complexes, merveilleux, vibrants et incarnés en scène, plus ils étanchent notre soif de rêve et d'espérance. Plus ils étirent le temps, plus le rêve et l'espoir sont grands. Et si les jours les plus longs au théâtre étaient aussi les plus beaux...Les deux traversées d'Avignon 2022 Ma jeunesse exaltée ». Olivier PyAu Gymnase Aubanel, les 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15 juillet à 14 h 00. Durée dix heures avec 3 entractes. Avec notamment Bertrand de Roffignac, Xavier Gallais, Céline Chéenne. Le Nid de cendres ». Simon FalguièresA la FabricA, les 9, 10, 12, 13, 15, 16 juillet à 11 heures Durée treize heures avec entractes.Infos, location 04 90 14 14 14Les deux textes sont publiés Chez Actes Sud - grandes fresques qui ont marqué le festival Le Mahabharata », de Peter Brook 1985. Le Soulier de Satin », de Paul Claudel, mis en scène d'Antoine Vitez 1987. Vole mon dragon », d'Hervé Guibert, mis en scène de Stanislas Nordey 1994. La Servante Histoire sans fin », d'Olivier Py 1995.- Le Sang des promesses » Littoral - Incendies - Forêt », de Wajdi Mouawad 2009. Henry VI », de William Shakespeare, mis en scène de Thomas Jolly 2014. 2666 », de Roberto Bolano, mis en scène de Julien Gosselin 2016. Joueurs - Mao II - Les Noms », de Don DeLillo, mis en scène de Julien Gosselin 2018.

Lapièce nous divertit aussi grâce aux différents univers qui défilent sur la scène: bouffon, et qu’à la fin il obtient une certification qui correspond au droit de tuer en toute impunité. L’incompétence et la vénalité des médecins ressort ici de manière particuliè- rement évidente. 2. Le spectacle est un excellent moyen de dénoncer ce qu’est la médecine, à savoir un

Parcours Molière Parcours thématique Céline Candiard Introduction Maître incontesté de la comédie en France, Molière est le seul auteur comique du XVIIe siècle dont les pièces fassent aujourd'hui l'objet de mises en scène régulières. Cette faveur particulière est due essentiellement à son statut largement prédominant dans le panthéon des dramaturges français en effet, à l'instar de Shakespeare outre-Manche, Molière apparaît comme le saint patron du théâtre français, sa figure emblématique et son plus éminent représentant, tant pour la pratique du théâtre puisqu'il était comédien et chef de troupe que pour la composition de pièces. Cette qualité d'homme de théâtre total », du reste, est sans doute pour beaucoup dans le choix que fit la postérité de Molière, et non d'un Corneille ou d'un Racine, pour incarner le théâtre national. Une figure multiple De fait, la légende de Molière commence dès après sa mort. Son lieutenant La Grange s'occupe de l'entretenir, assurant notamment la publication de ses œuvres complètes, tandis que Grimarest publie en 1705 une Vie de Monsieur de Molière douteusement hagiographique qui servira de base à la connaissance du dramaturge pendant des siècles. Il est vrai que sur le plan de l'écriture comique, son œuvre a modifié en profondeur les pratiques françaises la comédie est désormais admise comme un art pleinement respectable et les poètes continuent d'imiter Molière ou de s'en inspirer pendant plus d'un siècle. Mais cette glorieuse postérité ne s'obtient qu'au prix d'une vision quelque peu déformée du personnage. On a souvent beaucoup insisté, à la suite de Grimarest, sur sa dimension de grand auteur classique, en mettant en avant ses études au prestigieux Collège de Clermont en réalité incertaines, ses lectures philosophiques, sa portée métaphysique. Pendant trois siècles, la tradition scolaire et intellectuelle a fait apparaître dans ses pièces les traces intertextuelles d'un Molière lettré et contemplatif, négligeant son activité plus terre-à-terre de chef de troupe. Or, à partir des années 1960, une partie des chercheurs et du monde du théâtre s'intéresse à cette dimension dédaignée de Molière, mettant en évidence les incertitudes des informations données par Grimarest, l'importance des années que Molière passa en province à jouer des farces et ses préoccupations commerciales de chef de troupe. C'est dans cet esprit qu'Ariane Mnouchkine réalise en 1978 le film Molière, longue fresque biographique en deux parties racontant la carrière du dramaturge de sa naissance jusqu'à sa mort en donnant une image moins lisse, plus archaïque, plus turbulente aussi de la France du XVIIe siècle, Mnouchkine a cherché à replacer la figure de Molière dans son contexte historique et culturel et à combattre le mythe classique de l'homme de lettres enfermé dans son cabinet. Petites » pièces De fait, c'est avec la composition de farces », petites pièces en un acte généralement conçues pour terminer la soirée théâtrale, que Molière connaît ses premiers succès La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin volan t ou encore Gros-René écolier ont toutes été créées en province et, à en juger par leur reprise à l'arrivée de la troupe à Paris en 1658, elles y avaient été accueillies favorablement. C'est encore grâce à une farce, nous apprend La Grange, que Molière parvient à séduire le roi après l'avoir copieusement ennuyé par la représentation d'une pièce de Corneille. Molière a beau s'entêter à jouer quelques tragédies, il est loin d'y exceller autant que dans la comédie, sans doute en partie à cause d'une voix assez nasillarde, propice aux effets comiques mais peu adaptée à un héros pathétique. Dans sa première création parisienne, Les Précieuses ridicules, Molière reprend donc assez naturellement son personnage de valet comique Mascarille, qui avait déjà connu le succès dans L'Etourdi et Le Dépit amoureux . La pièce est un triomphe, mais les rivaux de Molière lui reprochent de n'être qu'un vulgaire farceur, ce qui le conduit à abandonner par la suite le rôle du valet fourbe au profit de rôles plus variés - maris jaloux, bons bourgeois, pères fantasques. C'est seulement à la fin de sa carrière, après sa brouille avec Lully, qu'il revient au rôle de ses premiers succès en créant Les Fourberies de Scapin 1671. Mais la pièce est un échec commercial, sans doute en raison de sa maladie qui le rend incapable d'assumer un rôle d'une telle exigence physique. De plus, la pièce s'attire les foudres des doctes, en particulier de Boileau, pour avoir emprunté certaines de ses scènes particulièrement la célèbre scène du sac au grand farceur Tabarin. Ces comédies où Molière s'était ménagé le rôle vedette du valet fourbe ne sont pas, de nos jours, les pièces les plus jouées du dramaturge on leur préfère généralement les grandes » comédies en cinq actes et en vers, jugées plus profondes. Les Précieuses ridicules ont cependant fait l'objet de quelques mises en scène marquantes au cours des dernières décennies, particulièrement celle de Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff au Théâtre de l'Odéon et au Théâtre National de Bretagne en 1997 de manière significative, c'est au sein d'une troupe déjà constituée, coutumière d'un théâtre ludique mettant en valeur les comédiens, que ce spectacle prend forme. Mais le plus souvent, les pièces les plus farcesques de Molière sont aujourd'hui chargées de cruauté, voire de violence, comme pour démentir leur apparente légèreté et leur donner une portée plus sérieuse c'est ainsi que la troupe de Deschamps fait apparaître la violence sociale contenue dans les dialogues des Précieuses . De la même manière, Jean-Louis Benoît donne au Scapin incarné par Philippe Torreton, dans sa mise en scène proposée à la Comédie-Française en 1997, une gravité désabusée, qui contraste avec le Scapin jubilatoire et métathéâtral de Daniel Auteuil dans la mise en scène de Jean-Pierre-Vincent, au Festival d'Avignon, en 1990. De manière significative, les pièces les plus souvent jouées et les plus commentées de Molière aujourd'hui sont ses grandes » comédies en cinq actes et en vers - auxquelles il faut ajouter Dom Juan, écrit en prose par manque de temps. Il s'agit en effet des pièces les plus originales de Molière et de celles qui établirent durablement sa réputation d'auteur comique d'exception. Grandes » comédies L'Ecole des femmes donna lieu au premier grand scandale de la carrière de Molière il fut accusé d'immoralité à cause de l'équivoque sex

LeThéâtre des Îlets, à Montluçon (Allier), clôture sa saison 2021-2022 avec la dernière pièce de Pascale Henry, « Privés de feuilles les arbres ne bruissent pas », à partir de

L’arcade à la maison ! Annoncé lors des Game Awards, Capcom Arcade Stadium est arrivé sur le store de la Switch à la fin de la diffusion du Nintendo Direct du 17 février dernier. Dans cette compilation, l’éditeur a réuni de grands classiques des années 1980 et 1990 ! En attendant que tout ce beau contenu débarque sur les autres plate-formes, la console de Nintendo s’offre une avant-première qui ravira les amateurs d’action, de shoot ou encore de réflexion. Et une fois n’est pas coutume, la présentation est soignée ! Avant de commencer, sachez que vous pouvez télécharger gratuitement Capcom Arcade Stadium pour profiter de l’intégralité de 1943 The Battle of Midway ainsi que Ghosts'n Goblins mais seulement jusqu’au 25 février. Ensuite, vous pourrez télécharger, au cas par cas, les packs qui vous intéressent. Ils sont proposés pour une quinzaine d’euros et réunissent une dizaine de softs à chaque fois. Au total, ce ne sont pas moins de 32 jeux qui sont au rendez-vous de cette compil’ ! Que vous soyez attirés par les anciens jeux ou tout simplement curieux, elle ne devrait pas vous laisser indifférent. Faisons le tour du propriétaire, à commencer par Capcom. D’ailleurs, savez-vous d’où vient Capcom ?De la barbe-à-papa aux jeux vidéo L'ambiance est très soignée et plonge les joueurs au coeur d'une salle d'arcade. Tout a commencé en 1966 lorsque Kenzo Tsujimoto, après un premier échec commercial, a ouvert une échoppe de confiseries à Osaka. À l’époque, le jeune homme de 25 ans travaille comme un forcené pour faire vivre sa petite entreprise. Un jour, il décide d’installer de nouveaux types de distributeurs qui vendent… de la barbe-à-papa. Le garçon remarque vite que les enfants font la queue pour satisfaire leur gourmandise mais aussi se délecter du drôle de spectacle offert par ces machines. Tsujimoto va alors commencer à acheter plusieurs distributeurs puis, de fil en aiguille, se tourner vers le divertissement. En 1974, l’homme fonde une nouvelle entreprise appelée IPM International Playing Machine et se lance dans la production de bornes de pachinko qu’il élargit aux flippers et à divers appareils ludiques, comme des manèges à une place. Au cours de ces années-là, la concurrence des bornes électromécaniques fait rage et Tsujimoto ne compte pas les heures pour se démarquer. À la fin des années 1980, IPM est une société réputée et suit de très près l’évolution du marché et l’avènement du jeu vidéo. Il y a d’abord le casse-brique Table Block en 1978 puis IPM Invaders, un clone officiel de Space Invaders comprenez par là que Tsujimoto a acheté la licence auprès de Taito. En 1979, l’intéressé reçoit un coup de fil d’IBM. La firme américaine ne voit pas d’un bon œil l’extension prodigieuse de cette entreprise japonaise et craint que la confusion avec son nom IBM/IPM soit trop devient IREM Corporation International Rental Electronics Machine mais les débuts sont très compliqués, la faute à un pari appelé Capsule Invaders qui se révèle être calamiteux. La vague Space Invaders commence à lasser les joueurs et l’entreprise se retrouve avec des quantités astronomiques de bornes invendables. Alors qu’elle est toute jeune, IREM Corporation passe sous le contrôle de Nanao et Tsujimoto est relégué à une position sans aucun pouvoir exécutif. Il décide de partir. Après une série d’évènements assez fous à découvrir, si vous le souhaitez, dans l’Histoire de Capcom aux Éditions Pix’n Love, Kenzo Tsujimoto donne naissance à Nihon CAPsule COMputer et embauche des employés prometteurs provenant de… Konami. La prise de risques, le talent des développeurs et l’histoire feront le reste en faisant de Capcom l’une des firmes de jeux vidéo les plus emblématiques de tous les temps. Et Capcom Arcade Stadium symbolise plutôt bien cette gagnant avec Senjo no Okami II Mercs, Street Fighter II ou encore Bionic Commando !Diversité et intensité Avec 32 jeux, la compilation se veut assez éclectique et ravira les amateurs de baston, beat'em up et shoot. Capcom Arcade Stadium brasse les œuvres des années 1980 et 1990 et ne s’encombrent pas de titres de bas étage. L’un des tous premiers jeux de la société nippone, Vulgus, fait partie de la compilation et il est bien plus qu’un petit programme. Grand succès à sa sortie en 1984, il se veut assez classique dans sa démarche mais affiche des graphismes soignés et fait état d’une belle réalisation technique pour l’époque. Toutefois, ne vous laissez pas charmer par ses dégradés à l’ancienne, ce titre est redoutable et met en lumière l’importance des options de cette compilation. À l’image des autres productions du même genre, Capcom Arcade Stadium offre la possibilité de rembobiner l’action, voire même de la ralentir via les deux boutons de tranche. Outre les continues illimités il suffit de presser le stick droit pour insérer une pièce, cette friandise n’est pas de trop pour résister à certaines œuvres. C’est toujours pratique lorsqu’il faut zigzaguer entre les opposants et les boulettes, surtout dans un soft comme Vulgus qui profite d’une intelligence artificielle rendant les déplacements des aéronefs ennemis complètement aléatoires. L’option permettant de sauvegarder à tout moment est, elle aussi, bien fonction de rembobinage est salvatrice, surtout dans des jeux redoutables comme 32 jeux, on pouvait s’attendre à ce que plusieurs Street Fighter soient de la partie et c’est le cas au grand dam de certains qui vont juger cela comme du copier/coller et ils n’auront pas tort. Aux côtés du mythique Street Fighter II, on retrouve le Turbo ainsi que le Super Street Fighter 2 II X. Le genre combat en un contre un est complété par Cyberbots, un affrontement de méchas. Les amoureux d’action pourront se rabattre sur quelques classiques comme Strider, Final Fight, Captain Commando, Dynasty Wars Tenchi wo Kurau, Chiki Chiki Boys, Warriors of Fate Tenchi wo Kurau II, Powered Gear, Battle Circuit, Tatakai no Banka, Bionic Commando, Ghouls'n Ghosts ou encore Ghosts’n Goblins. Parmi eux se glisse le sympathique Higemaru, une aventure à la Bomberman où les bombes sont remplacées par des tonneaux qu’on doit soulever pour écraser les ennemis qui peuplent les niveaux. Rigolo ! Enfin, qui dit Capcom et arcade dit forcément shoot’em up. Dans cette catégorie, la série des 19XX 1942, 1943, 1944… est épaulée par Vulgus, Gigawing, Varth, Carrier Air Wing, Forgotten Worlds, Legendary Wings, Section Z et Progear. Le panel est complété par les run’n guns emblématiques que sont les excellents Commando Senjo no Okami et Senjo no Okami II, plus connu sous le nom de joueur peut, à loisir, paramétrer son affichage en mettant des filtres, etc. et même changer de l’aurez compris, il y a largement de quoi faire avec cette première salve, d’autant qu’il existe une option Télécharger, ce qui promet l’arrivée future de nouveaux titres. Les plus de la compilation L'onglet Télécharger laisse augurer l'arrivée de nouveaux titres dans un futur proche. Le petit plus de cette compilation, au-delà de tout son habillage on peut choisir différentes bornes, plusieurs filtres, etc. et sa diversité, réside dans la présence de défis. Aux défis score se greffent des défis spéciaux qui s’activent durant une période limitée. Durant ce challenge, le joueur est contraint de respecter différentes règles, comme par exemple une vitesse multipliée par deux. Autant dire que sur un programme comme Ghouls’n Goblins, on prend cher. Mais c’est toujours intéressant de comparer ses performances avec celles des autres joueurs dans le monde. Les points obtenus permettent de glaner des CAPSO et de débloquer quelques bonus supplémentaires mais rien de foufou, il ne s'agit que d'habillages additionnels. Les puristes seront en revanche ravis d’apprendre que Capcom Arcade Stadium dispose à la fois des versions internationales mais aussi japonaises. Quant aux historiens en herbe, ils découvriront avec plaisir le montage vidéo retraçant la longue vie de Capcom. C’est le seul véritable bonus et c’est un peu léger mais ça a le mérite d’être là. Au global, on a donc le sentiment que l'éditeur aurait pu aller plus loin mais c'est tout de même pas mal du tout. On a vu bien plus paresseux par le fortsVisuel très réussiDes options nombreuses affichage, difficulté...Les défis et le classement en ligneSélection très convaincante...Points faiblesBonus très léger une seule vidéoImpossibilité de jouer en ligneTrop de Street Fighter... mais il manque quelques pièces majeuresSi vous aimez l’éditeur japonais, cette compilation Capcom Arcade Stadium pourrait bien vous faire de l’œil. À l’inverse de certaines productions du même genre, celle-ci est très soignée et a fait l'objet d'une véritable attention. Les développeurs ont fait en sorte de reproduire l’ambiance d’une salle d’arcade et ont intégré une ribambelle d’options affichage, difficulté, etc. pour que les joueurs trouvent la formule qui leur convient. Avec 32 jeux au compteur, le titre mise sur la diversité mais n’en oublie pas pour autant la qualité. Aux grands classiques se mêlent quelques œuvres moins connues, mais pas moins intéressantes. Avec ses défis de différentes natures, son classement en ligne et la possibilité de parcourir de nombreux jeux à plusieurs, Capcom Arcade Stadium est une compilation réussie qui manque seulement de bonus croquis, making of, etc. et d’une sélection peut-être un peu plus solide. On n’aurait pas dit non à un Marvel vs. Capcom, un Power Stone ou un bon vieux Darkstalkers. Note de la L'avis des lecteurs 5 Lire les avis des lecteursDonnez votre avis sur le jeu ! ^{Chezles Latins, il s’agit d’une pièce imitée des Grecs, pour inciter le public à entrer dans la salle et y voir la fin du spectacle. Comédie-vaudeville (au XIXe siècle notamment sous l’influence d’Eugène Scribe) : genre de comédie où s’intercalent des couplets. Expressions. Donner, jouer la comédie: représentation d’une pièce. Aller à la comédie: lieu où se joue Parlons d’amour. Parlons par la même occasion de la mort, deux thèmes intimement liés. En l’occurrence, c’est à travers la mort que l’on parlera d’amour. Un homme est retrouvé mort dans sa baignoire. Ce mort parle mais est-il entendu ? à l’inspecteur chargé d’enquêter. Une enquête donc, et des entretiens avec cellesceux qui l’ont connu. Entretiens sur les rapports qu’ilelles avaient et sur l’amour qu’ilelles se donnaient. Et à travers ces entretiens, deviner le manque d’amour, le besoin de connexion, le besoin de sens ou de transcendance, deviner la solitude. À travers ces entretiens, chercher une vérité, s’il y en a une. NOTE D’INTENTION Alexandre Horréard, sur son processus d’écriture Pour parler des rapports entre les gens, l’idée s’est imposée qu’il fallait jouer avec la narration. J’ai donc voulu un récit porté par un acteur seul, qui parle d’un endroit insolite, la mort, et qui navigue entre les regards croisés des personnages. Paroles rapportées, paroles rapportées à l’intérieur de paroles rapportées, paroles récitatives, paroles injonctives, paroles performatives. Qui navigue également entre les tons, entre le désespéré et l’ironique, entre l’intime et le lyrique, entre la fraternité et la méchanceté. J’ai voulu suivre l’inspecteur pas à pas, de près, précisément, dans les gestes anodins et les pensées intimes et les attitudes banales. Jouer avec cette précision, jouer avec cette banalité, puis tomber peu à peu dans les abîmes de l’angoisse. » – Alexandre Horréard Laurent Charpentier, sur sa rencontre avec Alexandre Horréard En 2016, je rencontre Alexandre Horréard dans un cours de théâtre où il est mon élève. Nous nous lions d’amitié, lors de conversations souvent littéraires Thomas Mann, Peter Handke, Georges Pérec. Je le découvre très attiré par le théâtrerécit » et des formes théâtrales narratives innovantes auxquelles je travaille. Je lui conseille Crimp, Viripaev, Minyana. Quelques années plus tard, je découvre la première pièce qu’il a écrite Une grande étendue d’eau et j’y distingue une audace formelle, une maîtrise de la langue et un sens de la capture des détails, des symptômes de l’existence. Plus tard encore, c’est le confinement, je lui suggère en passant d’écrire une pièce que j’interprèterais. J’évoque mon goût pour Simenon ou Manchette, la littérature noire… Fin du confinement. Alexandre passe me voir avec en main le texte Grand-duc, qui met en scène un inspecteur de police sur une scène de crime. […] Mettre en scène ce texte écrit sur-mesure » m’a paru évident dès la lecture, tant il répond à mes recherches d’acteur et à mes préoccupations théâtrales depuis plusieurs années l’exploration du spectre entre l’incarnation et la narration, le dialogue de ces registres et, dans la variation des jeux, des rythmes et des corps du récit, la création d’une théâtralité qui laisse du champ au regard du spectateur et à son imaginaire. » – Laurent Charpentier Grand-duc a fait l’objet en juin 2021, d’une résidence au Studio des auteurs, grâce au soutien de Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines et de la SACD. Texte Alexandre Horréard Mise en scène et interprétation Laurent Charpentier, assisté de Jérémy Flaum Dispositif scénographique Gaspard Pinta Conception lumières Laïs Foulc Conception sonore en cours Conseil chorégraphique Alexandre Nadra Production En Votre Compagnie / Olivier Talpaert Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€}

Faireconfiance au public. Si elle admet que la présentation d’une pièce de six heures peut sembler exigeante, Brigitte Haentjens, qui

Par Laura B. Publié le 12 décembre 2020 à 09h01 "Une Heure de Tranquillité", la pièce de Florian Zeller, devait être à l'affiche du théâtre Antoine pendant les fêtes de fin d'année. C'est finalement à la télévision, sur France 2, le 29 décembre 2020, qu'elle sera diffusée. "Une Heure de Tranquillité" est interprétée, entre autres, par François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot. "Une Heure de Tranquillité", pièce écrite en 2013 par Florian Zeller, et créée au théâtre Antoine, devait faire son retour sur les planches du théâtre Antoine. La comédie y était programmée, pour huit représentations seulement, pendant les fêtes de fin d'année 2020, comme un cadeau de Noël aux amateurs de les théâtres n'ayant pas obtenu l'autorisation de rouvrir, c'est finalement à la télévision que la captation d' "Une Heure de Tranquillité" sera diffusée. France 2 a décidé de programmer la pièce le mardi 29 décembre 2020, en prime time, à partir de 21 heures. Au moment de sa création, "Une Heure de Tranquillité" était interprétée par Fabrice Luchini. Dans cette nouvelle mouture, on retrouve sur scène François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot, toujours mis en scène par Ladislas Vaude, Christelle Reboul, Thierry Lopez et Jean-Luc Porraz complètent la distribution. "Une Heure de Tranquillité" c'est l'histoire de Michel, un passionné de jazz, qui vient de dénicher un album un album très rare qu'il projette d'écouter tranquillement dans son salon. Mais le monde entier semble en avoir décidé autrement. Sa femme voudrait lui parler, son fils débarque à l'improviste, son voisin frappe à la porte... Et même sa maîtresse voudrait faire le point avec lui. Manipulateur et menteur, Michel est prêt à tout pou ravoir la paix. À lire aussiQue faire ce week-end à Paris avec les enfants, les 27 et 28 août 2022Que faire cette semaine à Paris du 22 au 28 août 2022"Une Heure de Tranquillité" a été adaptée au cinéma en 2014 par Patrice Leconte avec Christian Clavier dans le rôle principal. Entre les fêtes de fin d'année, profiter d' "Une Heure de Tranquillité" voire plus si affinité à la télé, sur France 2 ! Lafin de l’épisode 7 de The Resort : Qu’est-ce que Pasaje ? Emma croit que Pasaje, ou le passage, est une pièce qui existe hors du temps, où les gens peuvent rencontrer ceux qui sont partis. En 2007, Violet est venue au Yucatán à la recherche du Pasaje, croyant qu’elle y retrouvera sa mère. Elle et Sam convainquent même Iberra de Sortir Article réservé aux abonnés 3 minutes à lire Publié le 15/04/22 Partager Un conte merveilleux… d’une force politique stupéfiante et tragique. NICOLAS JOUBARD Sous une forme simple, joyeuse, rivalisant de flamboiements visuels et sonores, Thomas Jolly retrouve l’enchantement des contes effrayants et fascinants de l’enfance, qui disent le monde tout en le réinventant. Il y a un chat qui parle, un tapis volant, une casquette qui rend invisible, un preux chevalier droit sorti de la Table ronde et… un dragon à trois têtes qui sème la terreur et le feu depuis des siècles dans cette petite ville calcinée, désormais rétrécie, du bout du monde. À savoir sans doute quelque grande ville soviétique des années 1940, sous la dictature du dragon Staline. Pas étonnant que sitôt représentée en 1944, la fresque et fable fantastique d’Evgueni Schwartz 1896-1958 soit sitôt interdite. Le journaliste et homme de théâtre avait pourtant l’art et la manière, lui le fin dramaturge pour enfants, de dissimuler son propos à travers de charmantes intrigues féeriques. Mais la censure ne s’y est pas trompée derrière le grand spectacle flamboyant, où rugissent et meurent les dragons, c’était bel et bien à l’autoritarisme et au lent poison qu’il infuse sournoisement dans la société que s’attaquait Schwartz. L’âme humaine est vivace. Coupe le corps d’un homme en deux, il crève. Mais si tu lui taillades l’âme, il ne meurt pas. Il devient docile. Non très cher, tu ne rencontreras jamais nulle part des âmes comme celles qui végètent dans ma ville des âmes culs-de-jatte, des âmes manchotes, sourdes, muettes, des âmes damnées… Des âmes trouées, des âmes vendues, châtrées et surtout corruptibles, toutes ! Des âmes mortes », souffle lui-même le dragon à l’homme corrompu qu’il a installé aux commandes de sa ville. Paiement sécurisé Sans engagement Désabonnement simple Déjà abonné ? Je me connecte Découvrir toutes nos offres La chronique de Fabienne Pascaud théâtre Partager Contribuer Postez votre avis Pour soutenir le travail de toute une rédaction, abonnez-vous Pourquoi voyez-vous ce message ? Vous avez choisi de ne pas accepter le dépôt de "cookies" sur votre navigateur, qui permettent notamment d'afficher de la publicité personnalisée. Nous respectons votre choix, et nous y veillerons. Chaque jour, la rédaction et l'ensemble des métiers de Télérama se mobilisent pour vous proposer sur notre site une offre critique complète, un suivi de l'actualité culturelle, des enquêtes, des entretiens, des reportages, des vidéos, des services, des évènements... Qualité, fiabilité et indépendance en sont les maîtres mots. Pour ce faire, le soutien et la fidélité de nos abonnés est essentiel. Nous vous invitons à rejoindre à votre tour cette communauté en vous abonnant à Télérama. Merci, et à bientôt. S’abonner FinDune Pièce À Grand Spectacle - CodyCross La solution à ce puzzle est constituéè de 9 lettres et commence par la lettre A CodyCross Solution pour FIN DUNE PIÈCE À GRAND SPECTACLE de mots fléchés et mots croisés. Découvrez les bonnes réponses, synonymes et autres types d'aide pour résoudre chaque puzzle ^{Deux journalistes, deux générations, un intérêt commun pour La galère. Amateurs de la série télévisée, qui a pris fin en 2013, Josée Lapointe et Hugo Pilon-Larose ont assisté à la pièce de théâtre qui en a été tirée. Après la tournée au Québec l'été dernier, c'était soir de rentrée montréalaise, jeudi. Steph, Claude, Mimi et Isa sont-elles toujours aussi charmantes? Critique croisée. Josée J'ai aimé La galère. J'ai ri des vacheries de Claude autant que j'ai été émue par la maladie d'Isa. J'ai regardé cette série comme je lis un roman de chick lit, parce que c'était léger et que moi aussi, j'aime bien les contes de fées - un premier ministre amoureux d'une auteure fauchée, mère célibataire de trois enfants, c'est évidemment de la pure fiction pour midinette» qui s'assume. En allant voir la pièce toujours écrite par Renée-Claude Brazeau et mise en scène par André Robitaille jeudi avec toi, Hugo, je ne m'attendais pas à du grand théâtre. Mais ce qui nous a été présenté ressemblait tellement à du sous-théâtre d'été, comme il ne s'en fait même plus vraiment au Québec, que j'avoue ne pas être encore remise du choc. On ne leur demandait pas grand-chose, pourtant seulement de nous faire rire et passer un bon moment. Hugo Je comprends ton état de choc, Josée. Est-ce du malaise, de l'incompréhension? L'équipe, pourtant talentueuse, ne déploie pas sur scène ses atouts. Parlons d'abord d'un problème de taille... Notre plaisir de retrouver les intrigues de Renée-Claude Brazeau était quintuplé par le fait de revoir les actrices originales. Or, Hélène Florent qui joue le rôle de Stéphanie n'est finalement pas de la partie. Quoique Marilyse Bourke interprète bien son rôle, ça ne fait pas pareil. Mais le problème ne tient pas qu'à cela. Une fois transposées de la télévision à la scène, les répliques de nos quatre comparses - rapides, jouées de façon mitraillée - deviennent criardes, clownesques et trop souvent grotesques. Josée Cette transposition comportait des dangers et on a l'impression que l'équipe est tombée dans tous les pièges. C'était essentiel d'inclure des références pour les initiés - Claude qui nous rappelle qu'elle est noire, j'avais oublié! -, mais à force de vouloir parler de tout, les ex, les chums, les enfants, etc., la pièce est trop bavarde. Le théâtre, c'est aussi l'art de l'évocation et ici, on n'évoque rien, on ne fait que raconter. Ce qui faisait la force de la série, c'était aussi la trâlée d'enfants qui vivent avec leurs mères dans la grande maison de Mme Baer. Alors, lorsque Stéphanie pète une coche au téléphone contre leur ingratitude dans ce qui devrait être une grande séance de défoulement pour mères indignes, on est presque mal à l'aise, surtout à cause de l'absence de réponse. Les enfants, drôles et baveux, manquent cruellement à la pièce. Hugo Dans la première demi-heure du spectacle, je sentais moi aussi qu'on voulait nous mettre à jour sur les intrigues inachevées de la série. Mais la nouvelle histoire qui est finalement racontée dans cette pièce n'est pas à la hauteur des beaux souvenirs que l'on a. L'intrigue, basée sur un journaliste qui a intercepté les conversations salées des quatre filles alors qu'elles se maquillaient dans les toilettes d'une salle de bal, est mince. Leur fuite dans un chalet, où Stéphanie se réfugiait avec sa fille, dont elle ne sait pas qui de Marc son mari premier ministre ou de Michel son ex qui est chef dans un bistro est le père, n'a rien d'enlevant. Une chance qu'Anne Casabonne, qui joue le personnage de Claude, est toujours aussi cinglante et attachiante», car elle porte sur ses épaules les seules répliques où j'ai ri de bon coeur. Le texte, tout comme la mise en scène, propulse sans cesse les quatre interprètes au-devant de la scène, où elles parlent face au public comme dans une bonne vieille comédie de situation. Le résultat est fade. Et que dire de la fin, où, une fois rendues en prison ne dévoilons pas le punch» qui les a menées là!, les quatre amies terminent une dispute en déchirant leurs habits orange de prisonnières, sous lesquels elles sont habillées pour aller dans un cinq à sept, et qu'elles dansent sous des lumières de discothèque. C'est ridicule. Josée C'est dommage parce qu'on allait là avec le désir de retrouver de vieilles copines. Mais j'ai trouvé ce spectacle tellement paresseux que ça a gâché mon plaisir. Quand on sait que le public viendra nous voir de toute façon parce qu'il a un attachement émotif, on ne doit pas s'en tenir au strict minimum. On peut, je dirais même qu'on est obligé de faire des efforts pour ne pas rester au ras des pâquerettes. C'est certain qu'une série qui s'étire sur 10 épisodes permet une ligne dramatique plus subtile. Ramener ça à un spectacle de 90 minutes obligeait à faire des choix, ce qui aurait permis un peu plus de nuance. En tout cas, on ne m'y reprendra plus. Hugo Pour ma part, j'essaie depuis hier d'oublier ce spectacle pour garder dans ma tête les beaux souvenirs de La galère, une émission qui a marqué à sa façon notre petit écran. Comme quoi une bonne équipe ne donne pas nécessairement deux fois un même bon résultat. _________________________________________________________________________________ La galère sur scène est présentée au Théâtre Maisonneuve encore ce soir et continuera sa tournée québécoise en 2017.} m8lWuMY.

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fin d une pièce à grand spectacle